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miércoles, 28 de mayo de 2014

Sorgo Rojo - Mo Yan

Editor - 8:23

Terminé de leer en días recientes la novela del novel Chino Mo Yan titulada Sorgo Rojo. Son 514 páginas repartidas en 5 capítulos, donde se cuenta la historia contemporánea de la China a través de varias generaciones de una familia campesina que le tocó vivir desde la invasión japonesa, que dio pie a la guerra prolongada del ejército maoísta, hasta la Revolución Cultural, época cuando el “Libro Rojo” reemplazó a la filosofía occidental por ser ésta una forma sutil de penetración cultural burguesa. Con un lenguaje directo, desabrochado, muestra la cultura campesina de este gigante asiático que dista mucho de la don manía característica de estas nuestras latitudes occidentales.

La novela, como toda producción ficcional, contiene una metáfora de gran fuerza que articula la vida elemental de una población que teje sus vidas como una trama que la hace vital. Esa metáfora es Sorgo Rojo con la cual Mo Yan titula esta novela. Del sorgo los chinos producen vino. Este es el alimento tanto para el espíritu como medio para articular la vida con el mundo de la naturaleza, la cual cobija literalmente el accionar de resistencia cuando por efectos de políticas expansionistas los japoneses invadieron la china de las dinastías milenarias. Las grandes extensiones de tierra cultivadas de sorgo producían un efecto estético en la mirada rasgada de los chinos. Imaginemos. Un valle rojo de donde emerge la figura menuda de los chinos armados de fusiles para repeler al invasor. De tal suerte que la sangre de los muertos, independientemente del bando a que perteneciera, se confundía con el rojo del sorgo que brotaba de la tierra. Ni más ni menos. El sorgo producía y reproducía la vida.

Y, en el centro de esta imagen metonímica, emerge el pensamiento racional, como un producto escondido y no como resultado de una intencionalidad manifiesta. En la página 477 escribe Mo Yan lo siguiente: “A veces me asalta la idea inoportuna de que existe un nexo entre la decadencia de la humanidad y el aumento de la prosperidad y el bienestar. La prosperidad y el bienestar son objetivos conscientes y a la vez predeterminados para las luchas del hombre; esto produce una inevitable, profunda y aterradora contradicción, porque al buscar la prosperidad y el bienestar, la humanidad se despoja de muchas de sus mejores cualidades” .  La sin razón de la defensa armada de valores que articulan comunidades se transforma en sin razón pues destruye lo mismo que se persigue. En esta lógica la razón es la sinrazón que razona desarticulando. Y por este camino, el individualismo se instala en el cuerpo social como la razón que da alimento a la libertad.

Volvamos a la metáfora. El sorgo rojo es fuente de vida a la vez que reproduce permanentemente el recuadro estético de la misma. Pero cuando la imagen se parcela como propiedad, lo estético se degrada de tal forma que se vuelve una garganta que devora. La sacrosanta propiedad privada, fuente moderna que expresa la soberanía de lo individual hasta convertirse en eje de la libertad, en últimas es la muerte de la vida para dar nacimiento a la sinrazón de lo mío, de lo que excluye, de lo que aleja, de lo que enfrenta parea armar superioridades e inferioridades, sobre las cuales se levantan los valores que sepultan lo común, lo que iguala, lo que equidista el centro del yo con el nosotros, en otras palabras el sorgo rojo que articula, produce y hace emerger sin perder la monocromía de la policromía de la vida humana.

Los guerreristas que en nuestro medio pululan en medio de la estética de la vida, deberían leer esta novela para entender sin miramientos que la vida humana está por encima de razones modernizantes, para volver a la simpleza de la vida como armazón común de los hombres y no altares que santifican la individualidad y los salvadores providenciales.

Coldplay - Ghost Stories

Editor - 8:16

Calificación: ★★
Discográfica: Parlophone
País: Reino Unido
Lanzamiento: 19-05-2014

Coldplay empezaron a trabajar en la continuación del colorista Mylo Xyloto (2011) dos años antes de que Chris Martin –voz cantante del cuarteto londinense– y Gwyneth Paltrow confirmaran su separación. Imposible sospechar que, quizá ya entonces, empezaba a fraguarse este inesperado disco de ruptura. En la nómina de tan concurrido subgénero encontramos obras mayores como Blood on the Tracks (Bob Dylan, 1975), Rumours (Fleetwood Mac, 1977) o Gentlemen (The Afghan Whigs, 1993), hitos comerciales de factura reciente como Back to Black (Amy Winehouse, 2006) o 21 (Adele, 2011) e incluso trabajos pendientes de recalificación como Tunnel of Love (Bruce Springsteen, 1987). Pero no nos hagamos ilusiones, porque el sexto álbum del grupo londinense puntúa muy por debajo de todos ellos.

Resultado de una puesta en común hasta ahora inédita –Martin dejó hacer a sus compañeros para concentrarse en el delicado expediente lírico–, Ghost Stories congrega en sus créditos a artistas tan dispares como Timbaland –el norteamericano firma la inconfundible producción de la estupenda True love– y Avicii, quien le da el esperado baño de vulgaridad a A sky full of stars. El roto creativo es tan grande que ni siquiera las canciones más inspiradas y mejor resueltas –como Magic, Ink y Oceans– hacen despegar a un disco desangelado y tedioso. Lo más sorprendente: que un grupo especializado en el pellizco emocional no aproveche la materia prima que se le supone connatural.

Westbrook desarbola a los Spurs

Editor - 8:07

Los Thunder revirtieron las malas sensaciones que dejaron en sus dos primeros partidos de la final del Oeste disputados en San Antonio y recuperaron sus opciones tras igualar a dos la serie con una espléndida exhibición (105-92). Russell Westbrook y Kevin Durant lideraron a su equipo. Los Spurs se encallaron ante la defensa de los Thunder.

Gracias a los cambios que introdujo Scott Brooks en los esquemas de su equipo, a la inesperada reaparición en el tercer partido de Ibaka, tras la lesión que había puesto en peligro su temporada, y a la brillantez de Westbrook y Durant, los Thunder pueden soñar con repetir su hazaña de hace dos temporadas. Entonces también empezaron perdiendo los dos primeros encuentros en San Antonio, pero consiguieron remontar y se clasificaron para la final, aunque cayeron ante Miami.

Westbrook estuvo intratable y brilló en todos los apartados del juego con 40 puntos, 10 asistencias, 5 rebotes y 5 recuperaciones de balón por solo 3 pérdidas. Parker no pudo con él. El base francés mejoró ligeramente respecto al tercer encuentro en el que solo sumó 9 puntos, pero igualmente quedó lejos de su rendimiento habitual, con 14 puntos, 4 asistencias y 3 pérdidas de balón y ninguna recuperación.

Kevin Durant formó un tándem letal con Westbrook y sumó 31 puntos. Ibaka, que parece no notar en exceso su lesión en un gemelo y estuvo en la pista durante 35 minutos, aportó 9 puntos, 8 rebotes y 3 tapones. Los Spurs naufragaron y llegaron a acumular una desventaja de 27 puntos: 76-49 en el tercer cuarto. Recuperaron ocho balones menos que los Thunder y perdieron seis más. Les costó encontrar las circulaciones de balón y la selección de tiro que de otras veces.

Green estuvo especialmente desafortunado con solo 3 puntos, los mismos que anotó Splitter. Ginóbili se quedó en 5 tras anotar 2 canastas en sus 8 intentos y Duncan también estuvo muy discreto, con 9 puntos y 6 rebotes.

El cuarto partido no empezó bien para los Thunder, que perdieron a Reggie Jackson a causa del esguince de tobillo que sufrió al pisar a Green en una entada a canasta. Apenas habían transcurrido tres minutos y medio, Jackson tuvo que abandonar la cancha mientras que los Spurs abrían una primera brecha en el marcador: 4-12. Reggie Jackson había sido precisamente una de las novedades de Brooks en el quinteto titular ya en el tercer partido, cuando decidió prescindir de los servicios de Sefolosha.

En Memphis, Dave Joerger, tras haberse entrevistado con los máximos responsables deportivos de los Wolves de Minnesota, ha renovado su contrato con los Grizzlies. Joerger dirigió la pasada temporada al equipo de Marc Gasol, que logró la séptima plaza en el Oeste con 50 victorias y 32 derrotas, y perdió en la primera ronda de los playoffs ante Oklahoma. La renovación se produjo después de que Joerger mantuviera una reunión con el propietario de la franquicia, Robert Pera.

OKLAHOMA, 105-S.ANTONIO, 92


Oklahoma Thunder: Westbrook (40), R. Jackson (3), Kevin Durant (31), Ibaka (9), Perkins (2) –equipo inicial-; Lamb (7), Butler (4), Adams (4), Fisher (3), N. Collison (0) y P. Jones (2).
San Antonio Spurs: Parker (14), Green (3), Leonard (10), Duncan (9), Splitter (3) –equipo inicial-; Ginóbili (5), Diaw (14), Mills (4), Belinelli (7), Joseph (11), Baynes (2), Bonner (8) y Ayres (2).
Parciales: 26-20, 32-23, 25-24 y 22-25.
Chesapeake Energy Arena de Oklahoma City. 18.203 espectadores.

Al filo del mañana - Redencion Cruise que alcanza a funcionar

Editor - 7:47

Calificación: ★★★★
Recomendación: Redencion Cruise que alcanza a funcionar
Dirección: Doug Liman
Intérpretes: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson
Género: Accion, Sci Fi
Duración: 113 minutos.

Atrapado en el tiempo y en plena invasión alienígena, Tom Cruise consigue salvar a la ci-fi de la rutina
al filo del manana

Los hay que piensan que el cine precisa de un punto de locura. Tom Cruise en cambio opina que un punto es poco, que andarse con medidas es privar al público de un espectáculo inolvidable. También a sí mismo de un lugar en la historia. Es un comportamiento megalómano del que podrían comer varios colegios de psicólogos. También el combustible necesario para que películas inimaginables como Al filo del mañana se acaben convirtiendo en una realidad. Enviado por algún dios, caído de un platillo volante o creado en un laboratorio del futuro, el actor existe para soportar sobre sus hombros el peso de proyectos de estas dimensiones y ambición.

Al filo del mañana se puede resumir con una fórmula, pero ¿quién es el guapo que se atreve a mezclar el eterno retorno de Atrapado en el tiempo, el furor armamentístico de Elysium, las maniobras de Starship Troopers, el desembarco de Salvar al soldado Ryan con la narrativa de El Coyote y el Correcaminos? Pues también un iluminado, Doug Liman, que ya reventó las convenciones de otros géneros con El caso Bourne o la estupenda Sr. y Sra. Smith. Aquí conduce un jeep lleno de nitroglicerina por un campo de minas. Lo más lógico sería que tarde o temprano todo saltara por los aires.

Sin embargo, igual que el personaje de Tom Cruise avanza a base de tropiezos, la película hace suyo el vaivén y se estabiliza en pleno terremoto. Con su complejidad argumental –24 horas que se repiten indefinidamente sobre la tesis de los universos paralelos– y la variedad de tonos que maneja, yendo del humor del tortazo a la épica o el romance, es un milagro. No hace falta ningún acto de fe para contemplarlo. Si no se puede tocar es porque, vaya, hasta películas especiales y únicas como Al filo del mañana son tan mentira como los sueños o los delirios.

En todo ese marasmo de déja vus, Emily Blunt ejerce de centro gravitacional. Su solidez y serenidad son tales que ya se puede estar viniendo todo abajo, que ella mantiene el tipo en –y van unos cuantos– un registro en el que ni se le había visto ni se le esperaba. Si en Al filo del mañana es una máquina de matar, hay motivos ya para pensar que en la vida real es una máquina de actuar, por su capacidad para reprogramarse y dotar de credibilidad a todo lo que le cae en la manos.

Casi dos horas aguantando la respiración, esperando que todo devenga en cataclismo o en las rutinarias resoluciones de la ci-fi de los últimos años, pero la película parece un reflejo del personaje de Tom Cruise: ha aprendido a base de errores ajenos e incluso propios, que ahí está reciente la decepcionante Oblivion. Por fin un motivo para no ser tan escéptico y abrazar la megalomanía del actor. Podría irse un poco más alla, y hacer una lectura en clave biográfica de lo que proyecta en la película. Eso si no fuera porque todo lo que apetece hacer después de verla es ponerse a saltar de alegría en la butaca.

Turquia fue la Ganadora - Ganadores en el Festival de Cannes

Editor - 7:41

Si partimos de la base de que dos de los directores preferidos de Ingmar Bergman eran Michael Curtiz y Raoul Walsh, antagónicos en su estilo de componer películas al del sueco, elucubrar ahora sobre quién se ha impuesto a quién resulta ciertamente complicado, y quizá incluso inservible. El jurado, presidido por Jane Campion, ha otorgado la Palma de Oro del Festival de Cannes 2014 a la película turca Winter sleep, pero el hecho es que el sensacional filme de Nuri Bilge Ceylan se ha impuesto en un año en el que, sin esa indiscutible obra maestra que pone a todos de acuerdo, había no menos de otras cinco grandes obras a los que no les hubiera quedado grande el prestigioso premio.

De todos modos, la película de Ceylan, la más larga del certamen, tres horas y cuarto, y disfrutada por este crítico en el día de ayer, cuando el festival repite las aspirantes a la Palma de Oro una tras otra, quizá fuera en la que más consenso había, a juzgar tanto por las ovaciones del público en el Palais de la Croisette como, sobre todo, en la sala de prensa. No parece difícil que su combinación de grandeza visual y esmero narrativo haya encantado a ciertos miembros del jurado con un cine, en cierto modo, semejante, caso de la propia Campion y, sobre todo, del director chino Jia Zang-ke. De hecho, volviendo al inicio de la crónica, es decir, a Bergman, Winter sleep, el terremoto ético vivido por un actor retirado que tiene un hotel para turistas en la zona rural y montañosa de Anatolia, bien podría ser una hipotética película del mítico director sueco si este hubiese nacido en la península turca; o la que hubiera podido hacer Víctor Erice si hubiera podido continuar su carrera con cierta normalidad tras los triunfos de El espíritu de la colmena y El Sur; o, yendo más allá, la que hubiera podido hacer Dostoiesvski si no hubiera muerto antes del inicio del arte cinematográfico. La película de Ceylan habla de algunos de los grandes temas tratados por estos tótems, de la vanidad al orgullo, de la soledad al aislamiento, de la intelectualidad a la religión, de la humillación a la ira.

El filme se ha impuesto en un año sin grandes favoritos

Con un tratamiento de luz descomunal, y a base de larguísimas conversaciones filmadas de un modo tan natural y tan sencillo como potente en el apartado fotográfico y en el diseño de producción, Winter sleep se impuso así a trabajos sobresalientes que se han ido del certamen sin premio, caso de Dos días, una noche, de los hermanos Dardenne, Sils Maria, de Olivier Assayas, e incluso The homesman, el sobrecogedor western antes de la época del llamado salvaje oeste que ha filmado el actor y director Tommy Lee Jones. El turco mejora así una carrera en la que ya se acumulaban, solo aquí en Cannes, el Gran Premio del Jurado, por Lejano (2003); el premio de la Crítica, por Los climas (2006); el de mejor director, por Tres monos (2008), y de nuevo el Gran Premio del Jurado, por Érase una vez en Anatolia (2011).

Dolan le ha dado un vuelco al cine rodando su obra en vertical

El galardón al mejor actor, de los más cantados, fue para Timothy Spall, por Mr. Turner, del británico Mike Leigh, por dar vida al volcán artístico y mental que tenía en su exterior e interior el pintor del siglo XIX Joseph Mallord William Turner, especializado en cuadros marinos. Con un trabajo físico imponente, tanto en cuerpo, encorvado, como en rostro, mueca casi perpetua, y voz, a base de gruñidos casi de perro, Spall inició ayer la que seguramente será una larga carrera de galardones este año.

El de actriz, sin embargo, fue una sorpresa relativa, porque no recayó en la gran favorita, Marion Cotillard en la película de los hermanos Dardenne, sino en la estadounidense Juliane Moore, por Maps to the stars, de Cronenberg. A su neurótica actriz de Hollywood en horas bajas poco o nada se le puede objetar, y menos en una intérprete tan enorme, salvo que su papel, pleno de intensidad en todo momento, tiene menos matices que el de Cotillard.

El galardón a Jean-Luc Godard fue la decisión más protestada

El ruso Andrei Zvyagintsev obtuvo un merecido premio al mejor guión, aunque cuando Campion recitó su nombre el director pareció algo decepcionado, quizá porque interiormente aspiraba a un premio aún mayor por otra excelente obra, Leviathan: una demoledora visión de la Rusia actual, en la que parecen reinar la corrupción, la violencia y el vodka. Mientras, el estadounidense Benneth Miller, que ya venía de una película excepcional alrededor del mundo del deporte, Moneyball, obtenía el premio al mejor director por Foxcatcher, ambientada en el mundo de la lucha libre olímpica. Eso sí, el galardón más sorprendente, al menos en la sala de prensa, fue el Gran Premio del Jurado para la italiana Le meraviglie, segundo largometraje de la joven realizadora Alice Rohrwacher, de 33 años, entregado por su compatriota Sophia Loren.

Fritz Lang dijo una vez tras la aparición del formato panorámico que “el cinemascope no es para filmar a las personas, sino a las serpientes y los entierros”. La frase da una idea de las dificultades, y las reticencias, que tienen los cambios técnicos y estratégicos para imponerse entre el poder establecido de las artes. Y ahora el canadiense Xavier Dolan, de 25 años, le ha dado un vuelco al cine filmando una película en vertical, Mommy, estrechando aún más la pantalla de lo que siempre se ha llamado el formato cuadrado; un formato que, parafraseando a Lang, podría servir mejor para filmar fotos de boda en las que debe salir desde la punta de arriba del velo hasta el brillo de los zapatos.

El director de ‘Leviathan’ parecía decepcionado con el trofeo al guion

El jurado recompensó al jovencísimo creador con el Premio del Jurado, ex aequo con la de Jean-Luc Godard, Adiós al lenguaje, la decisión más protestada de la tarde entre la prensa, y con razón, porque huele a galardón a toda una vida. Un veredicto que, eso sí, no es difícil ver como un guiño del jurado a la, seguramente, obra más radical de este arte en los últimos 50 años, y al nuevo niño terrible del cine mundial, al más atrevido e insolente del certamen, lo que es maravilloso, aunque sea con una historia, también escrita por Dolan, que, ya dentro de ese novedoso encuadre, cojea un tanto, sobre todo por su falta de complejidad, algo seguramente normal en alguien tan joven.

En una ceremonia presentada por Lambert Wilson, en la que entregaron premios Paz Vega y Daniel Brühl, las lágrimas de Dolan, llorando como el niño que (casi) es, constituyeron otra de las imágenes de la noche. Lástima que Godard, de 83 años, no pudiera acercarse por Cannes a recoger su premio, porque la estampa del crío y del anciano, de dos radicales sin freno, hubiera sido histórica.

El Palmarés completo


Palma de Oro: Winter sleep,de Nuri Bilge Ceylan.
Gran Premio del Jurado: Le Meraviglie, de Alice Rohrwacher.
Premio del Jurado: Mommy, de Xavier Dolan, y Adieu au language, de Jean-Luc Godard.
Mejor actuación femenina: Julianne Moore, por Maps to the stars, de David Cronenberg.
Mejor actuación masculina: Timothy Spall, por Mr. Turner, de Mike Leigh’s.
Mejor dirección: Bennett Miller, por Foxcatcher.
Mejor guión: Andrei Zvyagintsev y Oleg Negin, por Leviathan.
Mejor cortometraje: Leidi, de Simón Mesa Soto.
FIPRESCI: Winter sleep, de Nuri Bilge Ceylan.
Premio del Jurado Ecuménico: Timbuktu, de Abderrahmane Sissako.

Centenario de Octavio Paz, el poeta y pensador de la libertad

Editor - 7:31

Detrás del nombre de Octavio Paz está la poesía. Delante, sus poesías, sus críticas, sus pasiones, sus pensamientos, sus ideas de libertad y democracia, sus reflexiones sobre el pasado y sus efectos en el presente y el futuro. Su mirada oscilante sobre el tiempo poblado de seres como él, personas, simplemente personas organizadas en sociedad para vivir y avanzar. Y más adelante las palabras sobre él, como las pronunciadas este martes por escritores como Mario Vargas Llosa y Jorge Edwards, filósofos y escritores como Fernando Savater, ensayistas como Enrique Krauze y políticos como el expresidente de España Felipe González.

Cinco referentes de la cultura y la política contemporánea en español reunidos para homenajear al escritor mexicano en el centenario de su nacimiento (31 de marzo de 1914-19 de abril de 1998). Lo hicieron en el coloquio Siglo XXI, la experiencia de la libertad. Homenaje a Octavio Paz, celebrado en Casa de América, de Madrid, y organizado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Conaculta, la Embajada en España y otras organizaciones mexicanas.

La huella que ha dejado en nuestro tiempo, coincidieron todos, es la difusión y la defensa de la cultura y la libertad, así como su malestar por los totalitarismos. “Fue un pensador rebelde al estereotipo que cuestionó toda forma de conformismo. Uno de los últimos humanistas”, aseguró Vargas Llosa. El Nobel peruano y Krauze, director de la revista Letras libres, hicieron énfasis en que Paz se adelantó a su tiempo. Supo ver lo que ocurriría con el poscomunismo. Recordaron que de joven simpatizó con lo revolucionario, pero la experiencia le llevó a revisar sus convicciones marxistas, y según Vargas Llosa "criticó los fundamentos de las revoluciones rusa, cubana y china, hasta abrazar la cultura democrática". Así lo reflejó, también, cuando dirigió  las revistas Plural y Vuelta que llevaron una bocanada de ideas y necesidades de democracia en América Latina en una época de dictaduras.

“Sus ideas son de rabiosa actualidad”, asegura el expresidente

“Trascendía su momento y sus ideas son de rabiosa actualidad", aseguró el expresidente González. No era reaccionario, añadió, todo lo contrario, era "un progresista en el sentido profundo del término". La pregunta que formuló González es "cómo aplicar a la política que vivimos las ideas de Octavio Paz. Como dijo él propio Paz cuando cayó el muro de Berlín, no es que las respuestas hayan fracasado, no significa que las preguntas no sigan vigentes". Y lanzó una propuesta: ¿"Por qué no recuperamos a Paz?.Octavio está de actualidad".

Agradecieron y reflexionaron sobre su figura personal, artística, intelectual y de la manera en que les influyó. De su paso por España. De su claridad al escribir y expresar de manera sencilla lo difícil, que era, según Savater, “su gran cortesía”. Eso le permitió ejercer una labor de pedagogía de convencer a la gente de que tenía que pensar. Un dinamizador cultural, “como un remolino que no deja estancar el agua de la cultura”.

Hablaron del Octavio Paz, ahijado de Voltaire, e hijo de familia española, por el lado materno, y de indígenas mexicanos, por el lado paterno, que obtuvo el Nobel de Literatura en 1990. Y del gran lector. Y del traductor. Hombre para quien todo estaba tocado de poesía y todas las artes conectadas por hilos poéticos. “Siempre me ha interesado y, más, me ha apasionado, la experimentación y la exploración de formas y territorios poéticos poco conocidos, nuevos”, dijo en una conferencia en 1975.

“Su gran cortesía” era que contaba de manera sencilla lo difícil, dice Savater

Paz, asomado, abismado, como el primer día en varios temas que reflejó en ensayos de diversa índole: arte, política, antropología, literatura, historia, poder-autoridad y, claro, México y los mexicanos. De México y sus raíces y semillas están esparcidos muchos de sus versos y análisis comentados en Casa de América. El joven Octavio Paz que empezó con 19 años, en 1933, con el poemario Luna silvestre y terminó, en 1995, convertido en figura tutelar con el ensayo Vislumbre de la India. Y entre esa Luna y esa India, obras como A la orilla del mundo, Libertad bajo palabra... Y ensayos: El laberinto de la soledad, El arco y la lira, El ogro filantrópico, Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe...

Un Octavio Paz también autocrítico con la cultura y la sociedad: “Una de las heterodoxias del mundo moderno, desde hace dos siglos, ha sido la poesía. La poesía y el arte sucesivamente expulsados y, después, hipócritamente consagrados por los poderes sociales. Otra de las transgresiones de las sociedades modernas ha sido el amor. Ambos, amor y poesía son experiencias no productivas, son antiproductivas, y han sido y son negaciones del mundo moderno”.

Mito y leyenda en vida, Paz fue un feliz aprendiz entre mortales. Como su poema La calle, donde recrea su curiosidad, su búsqueda y estar en el mundo: “Es una calle larga y silenciosa. / Ando en tinieblas y tropiezo y caigo / y me levanto y piso con pies ciegos / las piedras mudas y las hojas secas / y alguien detrás de mí también las pisa: / si me detengo, se detiene; / si corro, corre. Vuelvo el rostro: nadie. / todo está obscuro y sin salida, / y doy vueltas y vueltas en esquinas / que dan siempre a la calle/ donde nadie me espera ni me sigue, / donde yo sigo a un hombre que tropieza / y se levanta y dice al verme: nadie”.

martes, 27 de mayo de 2014

El Giro de Italia encuentra su patrón

Editor - 7:56

A cada curva de la carretera cambiaba el paisaje, y había centenas de curvas, y cada paisaje llevaba impreso el recuerdo de una película, siempre con una montaña de fondo, gris y blanca, y rozando las nubes. Prados con margaritas a lo 'Heidi'; lomas oscuras como Mordor, y fumarolas surgiendo entre los abetos; y pasajes siniestros como en 'Sonrisas y lágrimas', o sombrío Stelvio, poblado de torvos leñadores tristes, como el Stelvio del relato de Thomas Bernhard… Pero cuando Nairo Quintana, moreno, tan oscuro, se elevaba sobre la bicicleta y pedaleaba ligero en la última subida a Val Martello, un puerto casi austriaco, con bosques donde viven osos pardos y vuelan águilas soberbias, el paisaje que le rodeaba no podía ser otro que el de 'La gran ilusión', la cercanía de la frontera, la libertad al otro lado, la victoria. Detrás, muy lejos, los derrotados. Urán hundido en rosa, por encima de todos. El Giro, al fin, en la tercera semana, en los capítulos en los que todo el relato debe hallar su sentido, encontró, al fin su patrón. Más que su patrón, su maestro, más italiano, si se puede, que los mismos italianos. Lo hizo en las montañas más altas, en el Gavia y en el Stelvio, entre la nieve y el miedo, donde nacen los campeones, siempre solos.

Hace un par de meses, cuando, para conocer cómo se corre en Italia, su equipo le hizo participar en la Tirreno-Adriático, donde lo derrotó Contador, tan poco le gustó a Quintana el estilo componedor con que en Italia se manejan y deciden las carreras, que una noche le dijo a su director, José Luis Arrieta, que iba a llamar al jefe del Movistar, a Eusebio Unzue, para decirle que le borrara del Giro, que él ni loco correría esa carrera en Italia, donde las motos deciden más que las bicicletas, y los helicópteros… Arrieta, sabio y experto, uno que debutó prácticamente como ciclista como gregario de Indurain en el Giro del 93, se lo impidió. Le dijo que se trataba de aprender, no de quejarse, y terminada la Tirreno se subió con él a hacer turismo a los Dolomitas. Vieron del Giro los puertos que la nieve les dejó, pero vieron, y estudiaron, sobre todo, el descenso del Stelvio (no todo, nos sus 27 kilómetros hacia Bolzano y sus 48 curvas de herradura diabólicas) y la subida irregular y dura a Val Martello. Desde aquel día, nada de lo que Quintana ha hecho en el Giro del que ahora es líder sólido (1m 41s, al segundo, Urán; 3m 21s al tercero, Evans, y luego, muy pegaditos, muy igualados, los jóvenes que siguen aprendiendo el sufrimiento: Rolland, Majka, Aru, Kelderman, y el veterano Pozzovivo, irredento) ha sido fruto del azar, sino de la planificación, salvo, evidentemente, las toses que acompañan sus actos de esfuerzos, los mocos pegajosos que no logra que su nariz deje de fabricar, la fiebre que le dobló unos días, las caídas… La víspera ya lo dijo a medias: habló de Pierre Rolland, que sería su aliado circunstancial porque es el único que se atreve a atacar de lejos, ya habló de la dificultad del descenso del Stelvio, de la necesidad de que no se amputara la etapa pese a la nieve y el hielo, y el miedo.

El Giro tan ambiguo, tan borroso como la bruma que juega al escondite en todos los valles dolomíticos a todas horas, buscaba su patrón y, llegadas las montañas verdaderas, lo encontró antes incluso de vestirlo de rosa. Lo encontró en el Gavia y en el Stelvio, donde el Movistar asumió la absoluta responsabilidad de la etapa para aislar a Urán, tan solo; lo volvió a ver en el polémico descenso del Stelvio, donde Quintana, su magro pecho protegido bajo la ropa por las hojas rosas de una Gazzetta, se lanzó tras Rolland y Hesjedal acompañado de su increíble Gorka Izagirre, mientras, escudados en una malinterpretación interesada de los consejos del Giro ("habrá motos en los seis primeros tornantes de la bajada para indicar el peligro con banderas rojas"), bajaron prudentemente el resto de corredores, confiados en una inexistente neutralización. Y lo encontró, sobre todo, en los 30 fantásticos últimos kilómetros, en los que Quintana, una vez que Izagirre, un tipo recto sobre todas las cosas que lleva siempre sus acciones hasta sus últimas consecuencias, se apartó agotado, se encargó él solo de tirar de Hesjedal y Rolland, los únicos que aguantaban su rueda, y de mantener las distancias, siempre rondando 1m 40s, con el grupo de Urán, en el que Landa, tremendo trabajador para Aru, y Rogers, espléndido para Majka, se dejaron todo. Pudo Quintana contra todos y pudo más aún en su terreno, en los últimos kilómetros de la subida, en los que multiplicó, alado, ligero, las diferencias y remató esprintando bajo la pancarta, con golpe de riñones, sin tiempo ni fuerzas para levantar siquiera los brazos.

Clasificaciones


ETAPA:
1. Nairo Quintana (COL, MOV)          4h 42m 35s
2. Ryder Hesjedal (CAN, GRM)                       a 8s
3. Pierre Rolland (FRA, EUC)                 a 1m 13s
22. Mikel Landa (ESP, AST)                  a 14m 08s
GENERAL:
1. Nairo Quintana (COL, MOV)          68h 11m 44s
2. Rigoberto Urán (COL, OME)                a 1m 41s
3. Cadel Evans (AUS, BMC)                     a 3m 21s
19. José Herralda (ESP, MOV)              a 39m 04s

lunes, 26 de mayo de 2014

El mensaje del miedo seduce a Colombia

Editor - 7:52

Lo primero que hizo este lunes el vencedor de la primera vuelta de las elecciones colombianas, el uribista Óscar Iván Zuluaga, fue anunciar que si el 7 de agosto resulta investido presidente, suspenderá las conversaciones de paz con la guerrilla que inició su rival, el presidente Juan Manuel Santos, en noviembre de 2012. Zuluaga toma la iniciativa en marcar el tema central de las próximas tres semanas, hasta que se celebre la segunda vuelta el 15 de junio, y fija su postura de mano dura con las FARC. Esa estrategia le ha dado un buen resultado electoral frente a un Santos que, como candidato, tiene dificultades para defender la negociación a la que ha encadenado su reelección y su carrera política.

El ideario uribista —Santos ha vendido Colombia a las FARC, les hace demasiadas concesiones, permite la impunidad— sobre el proceso de paz parece haber funcionado en el electorado, que dio un 29,3% de los votos a Zuluaga, que logró 458.000 más que Santos. Muchos ciudadanos temen que, con el proceso de paz, los cabecillas de las FARC participen en política sin pasar por la cárcel, un miedo al que el uribismo ha dirigido sus mensajes de campaña. Zuluaga, tras decir que paralizaría el proceso hasta que haya un alto el fuego unilateral de la guerrilla, se mostró abierto a que haya reducciones de penas, dando apariencia de moderación. "En aras de la paz, estamos dispuestos a buscar una pena reducida del orden de los seis años", afirmó en rueda de prensa. Para Ariel Ávila, investigador de la Fundación Paz y Reconciliación, es solo un intento de "atraer indecisos y moverse al centro. Esas condiciones que pone prácticamente destruirían el proceso", dice.

El proceso de paz, y la desconfianza de muchos en las verdaderas intenciones de la guerrilla después de tres intentos frustrados de negociación, lastran cada vez más la candidatura de Santos y ha catapultado la de Zuluaga en una campaña muy polarizada y tensa. "Zuluaga ganó porque se sintonizó muy bien con una visión de los colombianos que creen que la paz se consigue continuando la guerra, hasta llevar a las guerrillas a un sometimiento a la ley", dice María Victoria Llorente, directora de la Fundación Ideas para la Paz. Esta analista cree que los resultados del domingo, en una primera vuelta que registró la abstención más alta en 20 años, reflejan que "a muy pocos colombianos les interesa este proceso con la guerrilla".

Zuluaga ha anticipado que, de ganar las elecciones el próximo 15 de junio, suspenderá provisionalmente las negociaciones y solo las reactivaría con la condición de que la guerrilla cese sus ataques y todo atentado contra la población civil y la infraestructura económica. Eso alteraría las condiciones bajo las que se está dando el diálogo, en las que se negocia en medio de la guerra, y quedarían en el limbo los acuerdos que ya se han firmado en La Habana y que son los que más han avanzado en cincuenta años de conflicto que han causado 220.000 muertos y casi seis millones de desplazados.

El gran error de Santos, según coinciden los analistas, es que no supo vender con convicción el proceso de paz. "No mandó los mensajes claros. Este no es un proceso en el que se están llegando a unos acuerdos oscuros entre una élite que gobierna y una élite guerrillera, sino que es un acuerdo que trata de beneficiar a unos colombianos que han estado en el olvido durante décadas", explica Llorente. En esto coincide la analista Laura Gil, "Santos nunca pudo crear una narrativa de una Colombia en paz y terminó ganando el mensaje del miedo, de que las FARC gobiernan este país, y la gente se lo creyó", dice.

Las contradicciones de las FARC en lo militar y lo político han beneficiado a Zuluaga en detrimento de Santos. Pedro Medellín, asesor editorial de la revista Semana, sostiene que "las FARC fueron muy torpes, no le ayudaron al presidente Santos a construir un discurso positivo y favorable a la paz". Los colombianos perciben la negociación como muy prolongada, y la guerrilla, con sus ataques recientes a la policía, donde también han muerto civiles, pone en entredicho su propia voluntad de paz.

En el triunfo de Zuluaga también cuenta que supo manejar muy bien los escándalos en los que ha estado implicado, cuando se publicó un vídeo donde aparecía con un hacker acusado de espiar el proceso de paz con las FARC. Aunque la Fiscalía colombiana sigue investigando y sostiene que no es un montaje, la defensa de Zuluaga caló en los electores. "Tuvo una campaña muy eficiente. Los escándalos le terminaron favoreciendo porque se presentó como una víctima, asi no lo fuese", dice Medellín.

Santos y Zuluaga se han lanzado a tratar de convencer a los otros tres candidatos que no pasaron a segunda vuelta —la conservadora Marta Lucía Ramírez, la izquierdista Clara López y el de la Alianza Verde, Enrique Peñalosa— para que les apoyen. Es probable que Ramírez apoye a Zuluaga por su cercanía ideológica. Pero Santos, en cambio, necesita convencer a la izquierda (dos millones de votos) y al centroizquierda que apoya a Peñalosa (un millón de votos), y no será sencillo.

sábado, 24 de mayo de 2014

Hacia una revolución de la lectura

Editor - 12:53

Una certeza: ni apocalípticos, ni románticos del libro y la lectura. ¡Bienvenidos al reino de la incertidumbre! Un territorio sin horizonte claro que desmiente cada día a los gurús, porque “lo único cierto es la inevitable convivencia de lo analógico y lo digital donde no se sabe cuál de los dos soportes dominará”. Es la constatación de la realidad, por si había dudas, que hace Roger Chartier (Lyon, 1945), uno de los más prestigiosos expertos en historiografía y director de la Escuela de Estudios Superiores de Ciencias Sociales (EHESS), de París. Jubilación o salida de un mundo y llegada de otro donde, afirma Chartier, en su reordenación, la escuela y los medios de comunicación deben jugar un papel fundamental para preservar, conservar y reforzar valores centenarios que contribuyen a la mejor formación del individuo.

Aunque no se trata de una nueva era de un mundo recién hecho, a lo Macondo, donde las cosas son tan nuevas que no tienen nombre y deben ser señaladas con el dedo, sí deben ser renombradas, redefinidas, redescritas, reinterpretadas, recalificadas…

Una realidad vacilante que obliga, asegura Chartier, a varios cambios, empezando por la propia historiografía. “Todo debe ser más exigente, debido a los riesgos indomables de la Red, porque el lector fiscaliza el trabajo. Y a su vez hay que orientarlo y enseñarle a valorar y a moverse en el océano de Internet. Y esa es una carencia hoy”.

Todo debe ser más exigente, debido a los riesgos indomables de la Red, porque el lector fiscaliza el trabajo. Y a su vez hay que orientarlo y enseñarle a valorar y a moverse en el océano de Internet. Y esa es una carencia hoy
Palabras que sirven de epígrafe a Chartier, en un paréntesis de su curso Creación, edición y lectura: presente y pasado, en la Casa del Lector, de Madrid. Si el panorama descrito y analizado verbalmente, en estos cincuenta minutos de entrevista, se plasmara en una nube digital de términos, al estilo de un blog, las palabras más prominentes, por el número de veces usadas o el énfasis puesto en ellas, serían: maravilloso, riesgo, orden, cambio, inquietante, democratización, autoridad, confianza, prescripción, reforzar, coexistencia, transformación, yuxtaposición, identidad, amenaza, medios de comunicación, lector. Palabras y conceptos mentados, aquí y allá, por el autor de obras tales como El mundo como representación. Historia cultural: entre práctica y representación, en varios aspectos con un espíritu claro:

Una exigencia: Los historiadores tienen mejores herramientas de trabajo gracias al mundo virtual, lo que también es un riesgo porque “les obliga a una mayor exigencia en la comprobación de datos, escritura o citas, por ejemplo, porque el lector fiscalizará todo lo que diga y si se equivoca… La gente tiene la posibilidad de participar en tres aspectos: investigación, escritura y publicación en formato digital”.

Una duda: Es un mundo “maravilloso e inquietante” en el cual todos pueden aportar. La gran democratización de la creación y la divulgación. “Es una especie del sueño del pasado, como en la Ilustración, porque cada uno puede participar en la construcción del presente. Pero eso implica la desaparición del orden y del discurso instaurado desde Gutenberg donde hay un pacto de confianza sobre la profesionalización de lo publicado y ahora ese crédito científico es dudoso y aumentan los riesgos de la falsificación y las trampas”.

Una advertencia: Librerías, bibliotecas y medios de comunicación son los puntos más frágiles en el ecosistema del libro y la divulgación de la cultura. Por eso “este mundo dual requiere medidas urgentes. El fomento y la promoción de la lectura deben cambiar, reforzarse y adaptarse a los nuevos tiempos”.

Una petición: La revolución en la manera de crear, adquirir y divulgar conocimiento y cultura, además, de la posibilidad de la yuxtaposición de la información en la pantalla pide cautela. “No debemos quedarnos solo en la promoción de la lectura. Hay que ir más allá: trascender a los temas de siempre, a aspectos relacionados con el resto de la vida que hoy se complementan y desarrollan fuertemente en la Red, como la amistad, el amor y la socialización en general. La identidad electrónica es más manipulable que la tradicional. El Yo cambia. Hay que prestar más atención a esa dimensión filosófica del ser humano en el mundo analógico y digital que propicia un Yo diseminado”.

Una crítica: Se debe promocionar la crítica como modelo de formación de buenos lectores. “La crítica debe ser un juicio de presentación que dé conocimiento de lo que está en la obra. Más que adjetivar y coger el camino fácil, o decir que algo es malo o bueno, con juicios rotundos que pueden resultar más divertidos, se trata de dar elementos de juicio al lector y bases para que comprenda la obra y aprenda a valorarla por sí mismo. Es la manera útil de prescribir. También, hacer visible lo que no es tan visible, por ejemplo libros en otros idiomas o de otros países. Es una contradicción del mundo global donde se tiende dar más voz a lo que ya lo tiene y se descuida lo que no lo tiene, cuando esto puede abrir nuevas vías de conocimiento”.

Una alianza: En un mundo con sobreinformación gracias a Internet, y ante la democratización a ultranza de creación y difusión que puede hacer cualquiera en la Red, se requiere de unos medios de comunicación y de una escuela que contribuyan, sobre todo a las nuevas generaciones, “a la enseñanza de aprender a discernir toda esa información, saber qué merece la pena, además de señalarles lo que es destacable. El prescriptor está en riesgo y no debe ser así. Debe cambiar sus estrategias. A lo mejor, una manera de atraer lectores es con la provocación y para llamar la atención desde la rebeldía, por ejemplo con una campaña que diga: ‘Leer es malo para la salud’. Y Roger Chartier ríe mientras improvisa más eslóganes en esa línea.

Tom Cruise esta en busca de la redención

Editor - 12:46

Sigue ganando dinero a espuertas, pero las malas películas y las excentricidades han aplastado su imagen. 'Al filo del mañana' podría devolvernos a un actor que lleva mucho tiempo sin dar lo mejor de sí mismo. Por YAGO GARCÍA

Cada cierto tiempo, la crítica de cine (o, mejor dicho, ciertas reacciones de la crítica mainstream) le da ocasión al lector para hacer un alto en el camino, frotarse los ojos y pensar algo así como "esto no puede estar pasando". Vamos, que sorprende saliéndose por peteneras y ofreciendo veredictos inesperados. ¿Queremos un ejemplo? Pues esta semana tenemos uno, y fresquito: Al filo del mañana, una película de ciencia-ficción de gran estudio, con un gran presupuesto (127 millones de euros) y un director de prestigo como Doug Liman, que fue calificada por el Hollywood Reporter como uno de los filmes más arriesgados (financieramente) de 2014. Por una parte, el proyecto pintaba bien, tanto por lo desaforado de su premisa (sí, nos gusta ver a soldados futuristas atrapados en bucles temporales, ¿pasa algo?) como por beber de un hontanar tan rico, y tan desaprovechado por Hollywood, como la ciencia-ficción japonesa. Por otro, apoyándonos en precedentes como Pacific Rim (gran película que salvó los muebles en taquilla de pura casualidad), podíamos decir que tenía todos los números para estrellarse, máxime al no venir respaldada por una franquicia, saga multimedia o similar.

¿Cómo pinta la cosa? Pues, inesperadamente, bien o muy bien: en espera de que los grandes medios publiquen sus análisis, y de que las cifras canten la semana que viene, Al filo del mañana no sólo está despertando reacciones entusiastas en foros y cenáculos, sino que la mayoría de dichos elogios van dirigidos... a Tom Cruise. Es decir, al mismo actor al que se daba casi unánimemente por perdido al menos desde 2005, cuando confundió el sofá de Oprah Winfrey con una cama elástica. Con ocasión de una preview de la película en marzo, Total Film alababa tanto la dirección de Liman (por "centrarse tanto en los personajes como en las explosiones") como a un Cruise al que calificaba con una palabra casi siempre reservada a iconos testosterónicos como Samuel L. Jackson o Clint Eastwood: "Badass". La traducción del término no es fácil, pero éste designa, digamos, una capacidad casi genética para mostrar rudeza, dureza y mala leche frente a la cámara. Insistimos: ¿de verdad le pega ese adjetivo a Cruise? ¿Al mismo Cruise que, en el mejor de los casos, nos muestra la astucia sibilina de Ethan Hunt -Misión: Imposible- y, en el peor, la rigidez plastificada de Jack Reacher? Pues se ve que sí.

Aunque (insistimos) las opiniones sobre la película son aún escasas, en los foros de IMDb pueden leerse líneas como "Lo mejor que ha hecho Cruise en toda su carrera", e incluso se apunta que la película podría suponer una recuperación del actor o, mejor dicho, de su imagen pública: otro participante en una de estas discusiones apunta que, con un taquillazo como Misión: Imposible 4 en su curriculum reciente, el ex de Mimi Rogers, Nicole Kidman y Katie Holmes no está ni medianamente cerca de su ocaso. Ahora bien: si tenemos en cuenta otros títulos recientes como Oblivion, Valkiria o Noche y día, si que cabe recordar cómo, durante bastantes años, el único papel memorable (y nuevo) en el que vimos a Tom fue el del obeso y malhablado Les Grossman de Tropic Thunder. Un rol nacido de la autoparodia y que (apariciones en los MTV Awards y rumores sobre posibles spin offs mediante) estuvo a punto de tomar un cariz autoparódico en sí mismo.

Admitamos que reírse de Tom Cruise es muy fácil: mencionar su nombre equivale a evocar los espectros de la Cienciología, de South Park y sus armarios, de Top Gun (todos sabemos lo que piensa Tarantino sobre el tema, ¿verdad?), de los matrimonios fallidos y de esa apostura que canta de lejos a quirófano. Pero también cabe recordar que, en sus 33 años de carrera, el hombre de Syracuse (Nueva Jersey) ha perpetrado menos bodrios de los que algunos quieren recordar, y ha hecho más equilibrios de los que parece. Un año antes de Top Gun, sin ir más lejos, Cruise protagonizó Legend, el batacazo que acabó de hundir (temporalmente) la carrera de un Ridley Scott aún adicto al riesgo. Aunque El color del dinero fuese un encargo, y aunque no figure como el mejor título en la filmografía de Scorsese, nuestro personaje aguantó en ella muy dignamente ante Paul Newman, logro éste nada pequeño. Así las cosas, los once años gloriosos que van desde 1988 (Rain Man) hasta 1999 (Magnolia) no parecen casualidad: odioso a veces, carismático siempre, Cruise se ganó a pulso su derecho a no ser visto sólo como una cara bonita. Y, ante quienes no estén de acuerdo, siempre se puede optar por exclamar aquello de "¡Tú no puedes encajar la verdad!" en plan Jack Nicholson, siempre que las cuerdas vocales aguanten.

Pese a esto, también hay que admitir algo más: Cruise ha hecho lo posible para tirar sus logros por la borda. De hecho, descontando sus colaboraciones con Spielberg (La guerra de los mundos y Minority Report) y las entregas sucesivas de Misión: Imposible, sus únicos roles realmente interesantes en el siglo XXI han sido sendos trabajos como secundario: Collateral y la ya citada Tropic Thunder. Por lo demás, dejémoslo en que los habrá quienes consideren a El último samurái como una gran película, pero nosotros no nos encontramos entre ellos. Además, era fácil perderle la pista a su talento mientras se sucedían los dimes y diretes: que si Nicole esto, que si Katie lo otro, que si Suri lo de más allá, que si la Cienciología hacía cástings para encontrarle una buena novia, cual si de nuestra abuela del pueblo se tratase... Convertirse en mascarón de proa de una fe exótica y cuestionable tiene sus riesgos, desde luego.

Ahora bien: hemos dicho que las alabanzas a Cruise y Al filo del mañana provienen por ahora de internet y sus foros. Y uno de éstos (una vez más, el de IMDb) proporciona un recetario inesperadamente sensato para que esta resurrección no se quede en proyecto. "Deja de tomarte a ti mismo tan en serio. Ve a Saturday Night Live, déjales que se rían de ti e incluso que hagan bromas sobre la Cienciología", dice un fan. Y prosigue: "Haz que la gente vea que eres como ellos: HUMANO". Las mayúsculas están en el original, claro.  A nosotros, estos consejos nos parecen muy razonables, tanto que Cruise debería tomárselos al pie de la letra. Si hace caso omiso, es posible que acabe engullido por una imagen que, apostamos, ni él mismo sabría describir del todo.


Vijay Iyer, El nuevo chico dorado del jazz

Editor - 12:19

La polifacética estrella del piano de jazz Vijay Iyer, estadounidense de origen indio, atendió recientemente a la prensa internacional en el centro de una gigantesca estancia vacía del Haus der Kunst en Múnich, cuyo silencio solo se veía interrumpido por su voz monocorde y por el crujir de las vigas de un edificio con mucho que lamentar; el hoy pujante centro de arte contemporáneo fue levantado en 1937 por Hitler para mostrar al mundo las excelencias creativas del Tercer Reich. Esa misma noche, Iyer (Albany, 1971) estrenó en otra de las dependencias del mastodonte y ante una audiencia respetuosa una suite dividida en 10 partes para piano, electrónica y cuarteto de cuerda titulada Mutations, durante la presentación mundial de su último y homónimo disco, el primero publicado tras su fichaje por el legendario sello muniqués de jazz y música contemporánea ECM.

El nuevo contrato y el radical cambio de registro en su fulgurante carrera, que lo llevó el año pasado a batir todos los récords al quedar primero en cinco de las categorías de la lista que publica desde hace seis décadas la revista de Downbeat, fueron lo más parecido a una noticia bomba en el quieto mundo del jazz comercial actual. Y sin embargo el chico, graduado en Matemáticas y Física por la Universidad de Yale, doctor por la de Berkeley en Cognición Musical, becado en 2013 por la Fundación MacArthur y flamante profesor en Harvard, no veía motivo para el revuelo. “Es mi disco número 18º, no es el primero de nada”, repetía con timidez.

El intérprete fue distinguido en 2013 con una beca McArthur
Los aficionados a su música quizá sí noten los cambios. La parte más exitosa de su carrera, discos en trío y a piano solo con títulos como Accelerando, Human Nature o Historicity, se venía desarrollando en ACT, otro sello de… Múnich. No solo eso, Mutations parece un decidido esfuerzo por romper con lo anterior: frente a las sonoridades cristalinas de un repertorio alimentado por composiciones propias, piezas de jazz de vanguardia y adaptaciones de célebres canciones pop de estrellas como Michael Jackson o M.I.A., lo nuevo de Iyer se ajusta más a los modos de la clásica.

“Puedo entender que todo eso sea significativo para los demás, pero no puede serlo para mí. Es una pieza que escribí por encargo en 2005 y nunca la había registrado, básicamente porque nadie la quería”. ¿Y por qué empezar su nueva etapa con algo tan inesperado? “Es elección de Manfred [Eicher, productor del álbum y fundador de ECM], creo que quería un contraste con lo que yo había hecho en el pasado”.

En efecto, el catálogo del sello podría ser el único lugar con cabida para todas sus inquietudes. ECM es conocido tanto por ser la casa desde hace cuatro décadas del pianista Keith Jarrett o del compositor Arvo Pärt, como por cobijar todo lo que queda de camino entre ambos extremos. E Iyer es un artista decididamente ecléctico: ha grabado desde música electrónica con el poeta Mike Ladd (su último proyecto lo construyeron a partir del relato de los sueños de veteranos negros de Irak y Afganistán) a improvisación de inspiración hindú. “Hasta ahora iba de un sello a otro. Con ECM se acabó competir conmigo mismo”. Para este año promete “un proyecto con un director de cine” y para el próximo, “un álbum con su trío”.

Durante el recital de esa noche se vio a un Eicher concentrado en la música al lado de la mesa de mezclas, como corresponde a un orfebre de la producción, artífice de un sonido, el sonido ECM, que un eslogan de la compañía definió con acierto comercial como “el más bello después del silencio”.

Este trabajo es el primero que edita tras fichar por el célebre sello ECM
“Me he convertido en un creyente tras trabajar con él; fue muy respetuoso”, respondió Iyer a la pregunta de si el tipo es en el estudio tan despótico como dicta la fama que lo precede. La sintonía entre ambos se escenificaría terminado el recital, durante la cena anual de la compañía, celebrada con distribuidores llegados de todo el mundo para conocer al nuevo ojito derecho del jefe.

Al día siguiente, durante el desayuno, Iyer lamentaba la incomprensión con la que Mutations se ha topado en EE UU, “sobre todo entre los críticos de jazz”. Como estudiante durante 15 años de violín clásico, antes de pasarse a la improvisación deslumbrado por Art Tatum o Cecil Taylor, las categorías “no sirven”, dice, en su forma de ver el mundo. Tampoco en su labor docente en Harvard, donde imparte un curso sobre música en el que cabe Stravinski o Sun Ra, Debussy o Amiri Baraka.

Con este último, poeta afroamericano, teórico del jazz y activista político recientemente fallecido, colaboró Iyer en los noventa. “Resultó una pérdida inesperada”, recuerda. “Y toda una revelación: cuando murió me di cuenta cuán empotrado sigue el racismo en las instituciones tradicionales estadounidenses. Los grandes diarios no pudieron celebrar en los obituarios su figura como la de un artista e intelectual innovador, no. Tuvieron que presentarlo como una figura polarizadora. Eso es lo que hace que la gente compre periódicos o den al clic en el ordenador. Dado que se trata de un negocio que pelea por su supervivencia, se da esa triste circunstancia: prefieren dar la razón a uno u otro lado que hacer pensar a la gente”.

viernes, 23 de mayo de 2014

¿De verdad, usted votará por Zuluaga?

Editor - 12:53

Yo puedo entender que un país se pueda derechizar, esto es virar hacia la derecha ideológica por situaciones y coyunturas particulares. La política es pendular y la historia se mueve por ciclos. Lo que no puedo entender, a pesar de pensarlo y repensarlo, es que un país termine amoralizándose, volviéndose amoral, esto es, renunciando a toda diferencia entre lo que está bien y lo que está mal.

Los repugnantes episodios de los últimos días alrededor del hacker que trabajaba en la campaña de Óscar Iván Zuluaga desnudaron, ya sin titubeos ni atenuantes, que el uribismo es intrínsecamente amoral, que no se detiene ante nada y que no repara en escrúpulos para conseguir los objetivos. Si para obtenerlos hay que arrasar todo, desestabilizar el país, atropellar el Estado de Derecho, acabar la paz política, mentir, aniquilar moralmente, manipular, etc., no importa. “Bendito sea mi Dios”.

Me llama la atención, especialmente, la capacidad para mentir, para armar fábulas, tejer teorías truculentas y echarlas a rodar. Y lo consiguen, a pesar de que muchas atentan contra el sentido común y la evidencia, o son cosas reprochables que el anterior Gobierno también hizo. Y ni siquiera se sonrojan al decirlas. No voy a recabar en ese punto por suficiente ilustración, pero sí dejo constancia de mi asombro (y risa) cuando escucho a Uribe o sus alfiles asegurar que Santos le quiere entregar el país (y el continente, decía Londoño antes de que lo sacaran a escobazos de El Tiempo) a un complot castro-chavista, y el Gobierno a las Farc. Por Dios, ¿qué inocente puede creer que uno de los hijos epónimos de la oligarquía bogotana tiene ese plan? Con lo de la famosa “mermelada” de Santos al Congreso ya fue el colmo. Hablar de mermelada él, que repartió las notarías, que les entregó Estupefacientes a los godos con el subsecuente saqueo, lo mismo que en la Dian; él, que dejó pasar agachado lo de Agro Ingreso Seguro, y repartió otras mermeladas cuando se quiso reelegir en 2006…

Mentir es un arte mayor, y nadie consigue hacerlo bien todo el tiempo, ni durante mucho tiempo. Eso queda comprobado con este deplorable sainete del actual proceso electoral, cuando Uribe proclama que a la campaña de Santos entraron dos millones de dólares de narcos, y cuando la Fiscalía le pide entregar pruebas, acude al búnker a lustrarse los zapatos y a decir que no entrega nada porque no tiene garantías. ¿Qué garantías se requieren para poner una denuncia? Y, al final, como si nada, admite que no tiene pruebas, sino muy buena información.

Y lo del hacker ya es tragicomedia máxima y torpeza extrema. Contratan un oscuro personaje para que espíe de manera cibernética a los contendores, pero también para hacerles guerra sucia, y quizá para bloquearlos. También, a la gente que está buscando la paz en Cuba. Manda a RCN a su amigo del alma, Luis Alfonso Hoyos y al hacker para que filtren información contra Santos y quedan grabados a la entrada. Pero Óscar Iván dice que él no conocía al hacker, aunque luego haciendo memoria dizque lo saludó rápidamente una vez. Entonces, sale a la luz la prueba reina: lo conocía, se reunía con él, le preguntaba por la familia, se enteraba de información secreta del Estado, de inteligencia militar, discutían estrategias para joder al contendor. Me llaman la atención varias cosas del episodio: una, que un hombre honorable ante una mentira rampante saldría enfurecido a aclarar las cosas de inmediato; Zuluaga esperó 24 horas en silencio para leer un comunicado soso y no respondió nada más. Dos, que desde esa campaña están hablando muchas voces y ni siquiera se ponen de acuerdo en lo mínimo: Jaime Granados dice que no está seguro de que el personaje en la cinta sea Zuluaga, pero Pacho Santos dice que sí, que el candidato se equivocó al negar que conocía al hacker, pero que “es un gran valiente” al admitir que nos mintió. El mismo Pacho asegura que a Zuluaga lo llevaron engañado a esa reunión para emboscarlo. Hombre, Pacho, a esa reunión lo llevaron Hoyos, y su hijo David Zuluaga. ¿Será que ya no se puede creer ni en la familia?

La teoría en la que parecen ponerse de acuerdo es que a la campaña la infiltraron, o sea que ellos son las víctimas. Pero esto implica que es el propio hacker el traidor, a pesar de la evidencia de que es un uribista convencido. Por otro lado, decir que la campaña fue infiltrada es admitir de antemano que el video es auténtico. ¿O los infiltraron para grabarlos y encima hacer un montaje de una reunión que no existió?

Puedo entender que el uribismo y la política sean amorales (aunque ya estén abusando), pero no que la gente haya perdido la diferencia mínima entre lo que está bien y lo que está mal. “Pase lo que pase votaré por Uribe -escribía una amiga mía en Facebook antenoche- por lo que él representa…” Uff. Y otros siete amigos de ella le ponían un “de acuerdo”.

Por: Sergio Ocampo Madrid

X-Men Days of Future Past - Un Intento de Reinvencion del Director

Editor - 7:32


Calificación: ★★★
Recomendación: UN INTENTO DE REINVENCION DEL DIRECTOR
Dirección: Bryan Singer
Intérpretes: Patrick Stewart, Ian McKellen, Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Halle Berry, Ellen Page, Anna Paquin, Peter Dinklage
Género: Accion, Aventura, Fantasia, Sci Fi.
Duración: 131 minutos.

La estrella declinante de Bryan Singer pedía a gritos una película como X-Men: Días del futuro pasado. Tras los fiascos de Superman Returns (2006), Valkiria (2008) y Jack el cazagigantes (2013), el fundador de la saga mutante necesitaba un film que volviera a situarle en primera línea de fuego. Los ingredientes de esta nueva X-Men no podían ser mejores: uno de los arcos argumentales más venerados por los fans, un reparto imponente y un presupuesto escandaloso que algunos comentaristas sitúan en más de 200 millones de dólares. ¿Resultado? Honestamente, la sensación de que Singer ha perdido una oportunidad.

El director de Sospechosos habituales (1995) orquesta un arrítmico blockbuster más pendiente de reivindicar el legado de Singer que de contar una historia con sentido del espectáculo. Es patente su ansia por barrer de la memoria del aficionado la denostada tercera entrega de la saga y, a la vez, cantar las virtudes dramáticas de las dos primeras. Pero ni este Singer es el de X-Men 2, el mejor capítulo hasta la fecha y, quizás, uno de los filmes más redondos de superhéroes, ni al público le interesa ese ejercicio de autoconsciencia que propone volver al pasado (del cine) para cambiar su futuro.

Los fans de la Patrulla, y por ende los amantes del género superheroico, quieren crecerse en la butaca, compartir el destino de esos mutantes condenados a la extinción, emocionarse al ver a los viejos amigos y sentir como propia la más noble de las causas. En síntesis: demandan una montaña rusa. Y Días del futuro pasado, por desgracia, tiene más descensos que subidas. Es admirable que Singer y sus guionistas pongan el acento en los diálogos, en las relaciones entre los personajes y en la coherencia temporal del relato con el resto de la saga, sin embargo es un pecado mortal hacerlo de manera aburrida. Hablar está bien, pero hay que decir cosas interesantes.

Tras una primera media hora de manual, apasionante y muy bien hilvanada, el guion se enreda y comienza a dar vueltas sobre temas ya explorados en la serie; motivos que, para más inri, son verbalizados una y otra vez por los mutantes. Ya sabemos que la Humanidad teme lo diferente y que los mutantes son odiados. No es necesario volver a ello, y menos si tienes entre manos una historia del calibre de la escrita por Chris Claremont en 1981. Aquí la sustancia es el juego temporal como metáfora de la mutabilidad del destino. En cristiano: que en nuestra mano está evitar el peor de los escenarios para humanos y mutantes.

Los integristas del cómic original se resgarán los ojos ante los cambios operados respecto a la trama; muchos y no menores, avisados quedáis. Tampoco se da con el dinamismo suficiente el montaje paralelo entre lo que ocurre en el futuro distópico y el presente de la película, un 1973 que da pie a jugosas lecturas políticas y sociales al hilo de la presidencia de Nixon. Esta punta, genialmente exprimida en Primera generación, no acaba de explotar en el plan maestro de un Singer que, ante la duda, vuelve la visa atrás y fotocopia secuencias de los dos primeros X-Men. Ese desequilibrio provoca que la vieja Patrulla sea poco menos que una anécdota y que a los "nuevos" los veamos menos de lo que querríamos.

¿Significa todo lo anterior que estamos ante un pufo? En absoluto. Para el recuerdo queda un emotivo Lobezno que se erige en verdadero hilo conductor de la trama -brillante la conexión con el futuro coronel Stryker-, las peleas de una Blink soberbia, la calculada ambigüedad de Magneto (el mayor y el joven) y el honesto intento de la Fox por perpetrar una superproducción sin exceso de azúcar digital. No hay ruido en Días del futuro pasado, pero echamos de menos imaginación, pulso e imágenes para el recuerdo. Un clímax más apabullante, ¡demonios!, y un par de momentos épicos que hagan justicia a nuestras estanterías llenas de grapas guardadas en bolsitas de plástico. Es entonces cuando pensamos en lo que podría haber hecho Matthew Vaughn. La nostalgia no siempre es buena consejera.

jueves, 22 de mayo de 2014

5 series que se vieron afectadas por peleas internas

Editor - 9:05
Ningún lugar de trabajo está exento de tensiones y conflictos internos, pero si llevamos esto al ámbito de la televisión, un lugar donde generalmente confluyen grandes estrellas, frecuentemente excéntricas, caprichosas y –sobre todo– con egos enormes, y productores y creadores no menos exigentes y celosos de su preciado trabajo, la receta para el caos parece estar completa.

Se podría pensar que el éxito funcionaría como antídoto, sin embargo, en las series que veremos a continuación, ninguna alentadora medición de rating, ni valioso elogio de la crítica pudo evitar el conflictivo desenlace.

Estas son 5 series que se vieron afectadas por peleas internas:

#5 Taxi



Taxi fue una de las sitcoms más populares y aclamadas de los 70’, que tenía en su reparto a uno de los comediantes más excéntricos y originales del planeta: Andy Kaufman.

Aunque la serie le valió el reconocimiento y la popularidad, un comediante inquieto y de espíritu inconformista como Kaufman tenía cierta aversión por la televisión como medio y era abiertamente despectivo con Taxi. Habitualmente se aburría del material original que le entregaban los guionistas y se divertía a sí mismo con su alter ego Tony Clifton (Kaufman actuaba como si Tony Clifton fuera una persona real, un actor con un rol como invitado en la serie).

Pero Tony Clifton llegaba tarde a los ensayos, actuaba borracho y recibía la visita de prostitutas, lo que causó la furia de los otros miembros del elenco, principalmente de Jeff Conaway y Judd Hirsch, que llegaron a confrontarlo directamente.

#4 Community



Si hay algo que tienen en común Dan Harmon (creador y showrunner de Community) y el veterano actor Chevy Chase (cuyo rol de Pierce Hawthorne en Community volvió a ponerlo en las primeras planas de la televisión después de muchos años), eso es la fama de que no son personas con las que no es fácil trabajar.

La disputa entre los dos comenzó cuando Harmon dijo algunas cosas no del todo buenas acerca del trabajo y la actitud de Chase en la serie, y éste le respondió dejando un correo de voz en su teléfono que contenía numerosos insultos, y que terminó por filtrarse a la prensa (de todas maneras, antes, Harmon había elogiado la capacidad de improvisación del actor).

Luego de esto, Chevy Chase dijo públicamente que no le gustaba Community, y posteriormente se fue del set de grabación cuando sólo restaba grabar algunas escenas del final de la tercera temporada. La siguiente temporada no tuvo ni a Harmon (que también se peleó con NBC) ni a Chase. Harmon finalmente regresó para la temporada 5 de Community, que fue la última de la serie.

#3 Charmed



Otra actriz que tiene reputación de ser muy difícil lidiar con ella en el trabajo, es Shannen Doherty, y Charmed fue un ejemplo de ello. Los rumores acerca de una rivalidad entre Doherty y su compañera de elenco Alyssa Milano rondaron la producción de Charmed por muchos años y, cuando Doherty abandonó la serie súbitamente, tras la tercera temporada, no hicieron más que acrecentarse.

El personaje de Doherty muere al final de la tercera temporada y el trío de brujas quedó momentáneamente reducido a un dúo, aunque luego se incluyó una nueva tercera bruja, interpretada por Rose McGowan.

#2 Grey’s Anatomy



En su momento, el conflicto interno en el elenco de Grey’s Anatomy fue uno de los más comentados y controvertidos de la televisión y, en caso de que algunos lo hubieran olvidado, este año tuvo una especie de nuevo capítulo (aunque ya no conflictivo).

Durante la tercera temporada de Grey’s Anatomy (2006), el actor Isaiah Washington se volvió el centro de la polémica, cuando se informó que había insultado a su compañero de elenco T.R. Knight con un epíteto homofóbico (aparentemente durante una discusión con Patrick Dempsey). Esto obligó que poco después Knight debiera salir del closet públicamente y, posteriormente, la salida de Washington de la serie, lo que la dejó sin uno de sus personajes más populares, Preston Burke (que además dejó a Cristina Yang plantada en el altar).

Este año, mientras la actriz Sandra Oh se preparaba para despedirse de la serie, Washington regresó como actor invitado para interpretar una vez más a Preston Burke.

#1 Two and a Half Men




La popular sitcom de CBS ostenta no una, sino dos grandes peleas en la interna de la producción que, además de recibir una gran atención mediática, provocó cambios muy importantes para la serie.

La primera, que todos recordarán, fue entre el protagonista absoluto de la serie –en aquel momento–, Charlie Sheen, y su creador Chuck Lorre. El abuso de drogas y alcohol por parte de Charlie Sheen obligó en 2011 a poner la serie en receso pero, luego de pasar 12 meses en rehabilitación, Sheen salió y lo primero que hizo fue hablar mal públicamente de Lorre, de modo que la producción ya no lo toleró y fue despedido.

Ashton Kutcher lo reemplazó, pero mientras éste todavía buscaba su lugar en la serie y ésta intentaba seguir adelante sin su estrella, un nuevo conflicto surgió. El joven actor Angus T. Jones (que interpretaba a Jake, el “medio hombre”) declaró públicamente que la serie era “obscena” –basado en sus principios religiosos– y moralmente repudiable y que le daba asco formar parte de ella.

Así se produjo la segunda partida de un actor protagónico de la serie que inexplicablemente sigue existiendo y saliendo al aire en horario central, ahora con uno sólo de los hombres del título, pero con una lesbiana.

miércoles, 21 de mayo de 2014

'Dawn of Justice': así se llamará la película entre Batman y Superman

Editor - 19:29

El estudio Warner Bros, de Time Warner Inc, reveló este miércoles el título de la esperada película del director Zack Snyder, 'Batman v Superman: Dawn of Justice', en la que se enfrentarán los dos legendarios superhéroes de DC Comics.

La película, cuyo estreno está previsto para el 6 de mayo del 2016, es la secuela de 'Man of Steel' ('El hombre de acero'), que el año pasado recaudó 668 millones de dólares en ventas de entradas en todo el mundo.

En dicha fecha también está previsto que se estrene la tercera parte de 'Capitán América', una de las franquicias más rentables de Disney y Marvel.

'Batman v Superman: Dawn of Justice' volverá a contar con Henry Cavill en el papel de Clark Kent/Superman, mientras que Ben Affleck hará su primera aparición como Bruce Wayne/Batman.

Gal Gadot encarnará a Wonder Woman (La mujer maravilla) en un reparto donde aparecerán de nuevo Amy Adams, Laurence Fishburne y Diane Lane, presentes en 'Man of Steel'.

Otras incorporaciones nuevas al elenco son Jesse Eisenberg como Lex Luthor, Jeremy Irons como el mayordomo Alfred y Holly Hunter en un nuevo papel creado para la película. La cinta cuenta con un guión de Chris Terrio y David S. Goyer.

El rodaje comenzó este miércoles en el estudio Michigan Motion Picture Studios y más adelante la producción se desplazará a Illinois, África y el Pacífico sur.

La historia de la película se basa en los personajes de cómic publicados por DC Entertainment. Su título, 'Dawn of Justice', parece sugerir que se trata de un filme donde se explicarán los orígenes de los protagonistas de la 'Liga de la Justicia', un proyecto del que se hará cargo también Snyder.

The Black Keys - Turn Blue

Editor - 11:04

Calificación: ★★★
Discográfica: Nonesuch / Warner
País: Estados Unidos de América
Lanzamiento: 20-05-2014

El brillante muestrario de riffs de El Camino (2011) confirmó a The Black Keys como estrellas a jornada completa. En Estados Unidos rozaron la cima de Billboard. En el Reino Unido acariciaron el Top 5. Incluso España se dio por aludida: Disco de Oro y concierto-acontecimiento con lleno en el Palacio de los Deportes de Madrid. Afirmación global –Lonely Boy ya forma parte de nuestro acervo de sábado noche– para un grupo de largo recorrido, tupido argumentario sonoro y recomendable discografía.

 → The Black Keys: “Llegados a este punto, no tenemos absolutamente ninguna regla”

 El siguiente paso del dúo norteamericano, éste que nos ocupa, tenía mucho de reválida y, quizá por eso, por el excedente de expectativas, provoca un mohín de contrariedad. Todo indicaba que al ratificar a Danger Mouse como coproductor –fue él quien les acompañó en la gestación de su anterior trabajo– apostaban por la continuidad, pero que nadie se llame a engaño: estamos ante su colección de partituras menos electrizante.

 El diseño de producción impuesto por el autor de The Grey Album –arenoso y de contornos difusos– tampoco ayuda. De hecho, las dos canciones producidas exclusivamente por los de Akron –It’s Up To You, con guiños al Bo Diddley Beat; la stoniana Gotta Get Away– tienen un aire distinto al de números malogrados como In Time, Year in Review e incluso Fever, el sencillo elegido para dar a conocer el disco. Con todo, cabe rescatar la estimulante apertura vía Weight of Love –uniendo la distancia que separa No Quarter (Led Zeppelin) de Hotel California (Eagles)– y la hipnosis inducida por el subyugante tema que le da título.

11 cosas que no sabías sobre Seinfeld - La Mejor Comedia de la Historia

Editor - 10:57

Seinfeld es la mejor sitcom de la historia, y no hay discusión posible. No pienso escuchar argumentos a favor de Friends o The Big Bang Theory. Es más, Seinfeld es algo así como los Beatles del mundo de las series, solo que Constanza es más divertido que Harrison, sin dudas. En fin, vamos a lo que nos importa: hoy te vengo a presentar algunas cosas que quizá no sabías sobre Seinfeld.


#11 ¡Este sujeto casi es George Constanza!


Antes de que Jason Alexander se hiciera finalmente con el papel del inefable George Constanza, Jerry Seinfield pensó que el comediante de stand-up Jake Johannsen era el indicado para interpretar el personaje. Afortunadamente, me atrevo a decirlo, Johannsen rechazó el papel ¿Te imaginas a Seinfeld sin nuestro George?


#10 Kramer se volvió tan popular que...


Los directores tuvieron que pedirle a la audiencia que participaba de las grabaciones en el estudio que no aplaudieran tanto ante las entradas del genial Cosmo Kramer. El motivo: entorpecía y rompía con el ritmo que demandaban las escenas.


#9 Julia Louis-Dreyfus y Elaine son como el agua y el aceite


A lo largo del show, el personaje de Elaine conoció y salió con muchos y diferentes hombres. Sin embargo, Julia Louis-Dreyfus conoció a su actual esposo hace más de 30 años, cuando fueron compañeros de universidad. Se casaron en 1987, y tienen 2 hijos. Más allá de eso, Julia ha dicho, un poco en serio, un poco en broma, que Elaine estaba loca y tenía un problema de autoestima.


#8 La voz de George Steinbrenner...


Seguro recuerdas los mejores momentos del jefe de George, el célebre George Steinbrenner. Siempre de espaldas a la cámara, acomodado en su sillón, los parlamentos rídiculos del dueño de los Yankees de Nueva York (personaje que realmente existe) estaban a cargo del cocreador del show, Larry David.


#7 George Constanza solo está ausente en un capítulo del show


Más precisamente, "The Pen", es el único episodio en el que no aparece George. Según el propio Jason Alexander, esto motivó algún problema con Larry David, a quien le dijo que si volvía a sacarlo de un capítulo, que lo hiciera de la serie definitivamente. Claro que esto era prácticamente al comienzo del show (episodio 3, temporada 3). Nuevamente, ¿te imaginas a Seinfeld sin George?


#6. Hay un verdadero J. Peterman


Con seguridad, recuerdas a Jacopo Peterman, el jefe aventurero de Elaine, un personaje divertido y extrafalario. Si bien el personaje es ficticio, está inspirado en John Peterman, el verdadero dueño de The J. Peterman Company, una empresa de indumentaria vintage, con un catálogo de prendas muy peculiar, escrito en primera persona, según las necesidades y experiencias del señor Peterman, como sucedía en el show. Lo más curioso y divertido es que John O' Hurley, quien protagonizara a Peterman, actualmente trabaja para The J. Peterman Company.


#5 El Café Monk's existe realmente


¿Quién no recuerda las reuniones, cafés y almuerzos en Monk's? Bien, me alegró el día saber que está basado en un café real, el Tom's Restaurant, ubicado en la avenida Braodway y la calle 112, de Manhattan.


#4 El stand-up de Jerry fue desapareciendo lentamente


Durante las primeras temporadas, el acto de stand-up de Jerry Seinfeld era habitual no solo al final de los episodios, sino también en las transiciones entre las escenas, aunque su uso luego fue desapareciendo por completo, hasta que reapareció al final de la serie.


#3 Érase una vez Mike Constanza


Aunque el personaje de George está basado en Larry David, el nombre está inspirado en un amigo de Jerry: Mike Constanza, quien pareció olvidar la amistad que los unía, y demandó, sin suerte, a Jerry, Larry y NBC, por unos 100 millones de dólares.


#2 El casamiento de Jerry y Elaine, y otros secretos y rumores


Para conservar el misterio y despistar a los chismosos, la producción comenzó a lanzar falsos rumores sobre el final de la serie. Por ejemplo, que Jerry y Elaine se casarían, o que Newman iba a morir. Asimismo, la producción decidió que el final no fuera filamado frente al público habitual, sino ante la presencia de allegados, empleados y ejecutivos de NBC. Menos mal, Newman...


#1. 5 millones de dólares por capítulo...


Fueron ofrecidos a Jerry Seinfeld por NBC para que aceptara filmar una temporada más de 22 capítulos. Hagamos cuentas... ¿110 millones de dólares por una temporada extra? Una lástima que no aceptara.

Ahora que ya sabes estos datos sobre Seinfeld, si nunca viste esta serie antes, espero que te pongas al día. ¿Vas a perderte los mejores momentos de George Constanza o las escenas más divertidas de Kramer? ¡Vamos!

La batalla Marvel Vs DC en la TV

Editor - 10:52
Mientras Marvel luchó por consolidar su espacio en televisión con Agents of S.H.I.E.L.D, directamente conectada con su exitoso universo cinematográfico, ésta no tuvo una gran repercusión y le tomó demasiado tiempo convertirse en una serie con fuerza propia. De todas maneras, ahora, cuando está por llegar al final de su temporada inicial, parece estar encontrando la senda, por lo que las cosas podrían ser diferentes para su segunda temporada.

DC, mientras tanto, cuenta con el gran éxito de Arrow, serie que se emite por The CW (con el sello distintivo de dicha cadena, es decir, una orientación al público juvenil o adolescente), estrenada al año siguiente de emitidas las 10 temporadas -no menos exitosas- de Smallville, pero prepara además algunos ambiciosos proyectos para el futuro.

La batalla Marvel vs. DC seguirá observándose entonces con los numerosos proyectos que ambas editoriales tienen en curso, de modo que aquí les proponemos un repaso por todas las nuevas series que se estrenarán próximamente, basadas en los populares cómics de Marvel y DC.

Marvel 

Agent Carter


Al mismo tiempo que la cadena ABC confirmó la renovación de Agents of S.H.I.E.L.D por una segunda temporada, anunció la producción de la serie Agent Carter, centrada en el personaje presente en los cómics del Capitán América.

Interpretada por Hayley Atwell, la agente Peggy Carter ya había hecho su aparición en la película Capitán América: el primer vengador (2011) y su secuela, Capitán América: el soldado de invierno (2014), así como en el corto Agent Carter (que forma parte de la saga de One Shots de Marvel, consistente en cortometrajes lanzados en las ediciones de DVD o Blu-ray de las películas).

Atwell protagonizará la serie, cuya trama seguirá principalmente los trabajos secretos que la agente realiza con el científico Howard Stark (el padre de Tony Stark / Iron Man).

Daredevil



Netflix y Marvel cerraron un acuerdo por el cuál la plataforma de streaming web producirá 4 series y 1 miniserie, todas ellas basadas en superhéroes del universo Marvel, interconectadas entre sí y también con las series Agents of S.H.I.E.L.D y con las películas de la franquicia, tales como Los vengadores. 

Daredevil es una de estas series. Los detalles del proyecto aún no han sido difundidos, ni tampoco los actores principales. Sí se informó que Drew Goddard (Buffy, Angel, Lost) estará encargado de la adaptación de este popular superhéroe.

Jessica Jones


La guionista Melissa Rosenberg (Crepúsculo) intentó realizar una adaptación televisiva de esta heroína para ABC, pero finalmente la cadena rechazó la propuesta. Gracias al acuerdo con Netflix, ahora la serie Jessica Jones cobra vida nuevamente y estará disponible en streaming a partir de algún momento de 2014.

Luke Cage


Otra de las series de Marvel que producida por Netflix, será protagonizada por Luke Cage, también conocido como Power Man (Poderoso). Dato curioso al pasar: este superhéroe de Marvel sirvió como inspiración para el sobrino de Francis Ford Coppola, que al iniciar su carrera no quiso portar un apellido tan conocido y estimado como ese, por lo que pasó a llamarse Nicolas Cage.

Puño de Hierro


Por último, también el superhéroe conocido como Puño de Hierro (Iron Fist) tendrá su propia serie en Netflix.

Los Defensores



La miniserie de Marvel que producirá Netflix estará centrada en este peculiar grupo de superhéroes, que en los cómics aparece más como una conjunto de outsiders individualistas que siguen sus propias motivaciones, que como un equipo con un objetivo común.

Todos los personajes que tendrán su serie propia en Netflix (excepto Jessica Jones), pasaron en algún momento por la formación de Los Defensores. El grupo, de todas maneras, fue fundado por Dr. Strange, con Hulk, Namor y Silver Surfer como miembros originales.

DC 

Gotham


Serie precuela de Batman. Estará centrada en el detective James Gordon, muchos años antes de que este se convirtiera en comisionado de policía de la ciudad y en aliado de Batman para combatir el crimen. Ben McKenzie interpretará a James Gordon en sus primeros años como detective, mientras que Donal Logue aparecerá en el rol de su compañero y mentor, Harvey Bullock. También aparecerá el pequeño Bruce Wayne, justo después de que sus padres son asesinados, y el fiel mayordomo de su familia -ahora su principal protector-, Alfred Pennyworth.

La serie mostrará cómo surge la relación, que luego se convertirá en profunda amistad, entre Bruce Wayne y Jim Gordon, así como los inicios de varios de los más clásicos villanos de la ciudad, entre ellos El Pingüino, Riddler, Catwoman, Dos Caras y el Joker. Gotham se estrena en septiembre por Fox.

The Flash


De los creadores y productores de Arrow, The Flash presentará a este superhéroe en su encarnación como Barry Allen (el segundo alter ego de Flash en los cómics).

En el rol titular estará el joven actor Grant Gustin (Glee), quien ya fue presentado en un episodio de Arrow, por lo que las dos series estarán directamente conectadas y en el mismo universo. The CW primero confirmó la realización de un piloto, emitido como parte de la segunda temporada de Arrow, pero el pasado 8 de mayo dio luz verde a la serie, por lo que se asegura al menos una temporada (y muchas más si The Flash repite el éxito de Arrow). 

Constantine


NBC confirmó también la semana pasada la serie Constantine, basada en el personaje protagonista del cómic Hellblazer, publicado por la subsidiaria de DC Comics, Vertigo, y por tanto dirigido a un público más adulto, tanto en su temática como en su estética. De modo que será una serie muy diferente de las otras, juzgando también por el primer trailer que ha lanzado NBC.

En el rol protagónico aparecerá el actor galés Matt Ryan, acompañado en el elenco por Lucy Griffiths (True Blood) y Harold Perrineau (Lost).

iZOMBIE



Este es otro de los títulos de Vertigo, bastante reciente, ya que su primera publicación fue en el año 2010, cuya adaptación como serie y no como un simple piloto fue confirmada por The CW hace pocos días. 

En iZOMBIE varias entidades, algunas humanas y otras no, luchan contra diferentes amenazas, que incluyen vampiros y zombies, pero también otras no sobrenaturales, como peleas familiares y triángulos amorosos. Rob Thomas y Diane Ruggiero (la dupla creativa detrás de Veronica Mars) serán los encargados de la adaptación, mientras que se ha confirmado la presencia de la actriz Rose McIver (Once Upon a Time) en uno de los papeles principales.
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